Dans la série du questionnement sur le comment développer son propre style en matière de photographie artistique, en s’inspirant de ce qui a été fait et se fait, nous mettons en avant des travaux considérés comme remarquables. En sachant que développer un style personnel en photographie est un mélange d’exploration, d’inspiration, de pratique régulière et d’introspection. Il n’y pas de recette magique. Il est souvent conseillé de rester fidèle à ce qui nous anime sans chercher à forcer les choses. Faire naître un style personnel demande du temps, du travail, de la persévérance, une part de don, pour que son propre style finisse par émerger. Ce qu’il est conseillé c’est de beaucoup pratiquer dans une démarche s’inspirant de l’adage c’est en forgeant que l’on devient forgeron.
Intéressons nous à Fred Herzog (1930-2019), un photographe germano-canadien qui a révolutionné la photographie de rue en couleur à une époque où le noir et blanc dominait encore largement. Son travail est souvent centré sur la vie quotidienne, en particulier dans la ville de Vancouver, où il s’était installé après avoir émigré d’Allemagne en 1952. Son style distinctif se caractérise par une approche documentaire et une utilisation novatrice de la couleur, notamment grâce à l’utilisation de diapositives argentiques Kodachrome, qui ont joué un rôle important dans son esthétique de part leur rendu colorimétrique très apprécié.
L’utilisation des diapositives Kodachrome
- Richesse des couleurs : Les diapositives Kodachrome, utilisées par Herzog tout au long de sa carrière, étaient réputées pour leur capacité à capturer des couleurs vives et saturées. Cela a permis à Herzog de donner une intensité visuelle à ses images, en accentuant la texture, la lumière et les teintes des scènes urbaines ordinaires qu’il photographiait.
- Pérennité des diapositives : Le Kodachrome, connu pour sa durabilité, permettait de conserver les couleurs pendant des décennies. C’est l’une des raisons pour lesquelles les œuvres de Herzog ont conservé leur éclat, même après des années.
- Difficulté d’impression : À l’époque où Herzog travaillait, il était difficile d’imprimer des photographies en couleur à partir de diapositives, cela a limité la diffusion de ses œuvres. Ce n’est qu’à la fin des années 1990 et 2000 que son travail a vraiment gagné en reconnaissance, notamment grâce aux progrès des technologies d’impression.
Son travail sur la couleur
Herzog a fait un usage pionnier de la couleur dans la photographie de rue. Alors que les photographes de son époque considéraient souvent la couleur comme trop vulgaire ou distrayante, Herzog l’a utilisée pour ajouter de la profondeur et une dimension supplémentaire à ses photos. Ses reportages se sont concentrés sur des façades de magasins, des enseignes au néon, des voitures, des gens dans la rue ; tout cela avec une acuité qui révèle à la fois la beauté et la banalité des environnements urbains.
- Lumière naturelle : Herzog a toujours utilisé la lumière naturelle, souvent dans des moments où la lumière est douce et dorée, ce qui donne à ses photos un aspect à la fois nostalgique et intemporel.
- Contrastes chromatiques : Il jouait sur les contrastes, mettant en valeur les oppositions de couleurs entre les bâtiments, les objets et les vêtements des passants, créant une harmonie dans des scènes quotidiennes qui auraient pu passer inaperçues sans son regard attentif.
Style photographique
Le style de Fred Herzog est souvent défini comme documentaire, avec une approche visuelle directe, sans artifices. Mais ce qui le distingue, c’est cette attention obsessionnelle à la couleur et son talent pour saisir des moments anodins de la vie urbaine sous un angle où l’ordinaire devient exceptionnel.
- Photographie de rue : Herzog est considéré comme l’un des pionniers de la photographie de rue en couleur. Son regard compose des scènes spontanées, souvent dans des quartiers marginaux, avec une touche de réalisme brut, mais aussi une sensibilité artistique forte.
- Cadrages et composition précises : Bien que ses sujets soient souvent simples ou banals, comme des vitrines de magasins, des voitures garées ou des passants anonymes, son cadrage et sa composition donnent une structure visuelle rigoureuse à ses photos.
- Mélange de modernité et de nostalgie : Beaucoup de ses photographies évoquent la transition des villes nord-américaines vers la modernité, tout en préservant un sentiment de nostalgie pour un monde en changement rapide.
Il a redéfini l’utilisation de la couleur dans la photographie de rue, il a aussi apporté une nouvelle manière de voir et de documenter la ville et ses habitants, influençant ainsi des générations de photographes après lui.
Sur le travail de post-traitement, la photo issue directement de la diapositive semble proche de celle ci-dessous. Les diapositives argentiques étant connues pour leur contraste fort. :
