On peut apprécier le noir et blanc argentique bien brut et granuleux, et aussi un capteur numérique ultra défini.
On cherche la perfection optique, à la place on monte une ancienne optique à la signature bien vintage.
On crée des LUTs complexes pour retrouver le charme d’un film oublié en se faisant des noeuds au cerveau.
On vante la lenteur… et on adore capturer des actions rapides.
Est-ce une incohérence ?
C’est peut-être simplement le goût de la diversité sensible, une curiosité sans dogme rigide.
Comme en cuisine, on peut savourer un plat gastronomique raffiné et apprécier un fast-food assumé.
Paradoxe : du grec paradoxos, « contraire à l’opinion commune ».
Un paradoxe est une situation où coexistent des éléments apparemment contradictoires, mais qui, une fois réunis, révèlent une cohérence insoupçonnée ou une vérité plus subtile. C’est aussi l’association de deux faits, de deux idées qui semblent s’opposer, mais qui peuvent cohabiter ou se compléter.
Un vieux capteur avec une vieille optique pour faire des photos neuves. 🙂
Le plaisir de l’éclectisme : une gourmandise visuelle
Aimer plusieurs rendus, supports, appareils différents… c’est être omnivore en photographie.
Quelque part peut-être refuser les carcans d’un seul style, type, case, d’une seule école.
Se laisser porter par l’envie du moment, le sujet, la lumière, l’humeur. La photo devient alors un terrain de jeu libre, un espace d’expérimentation et de goûts variés.
Grain ou hyper netteté ?
Certains jours, on veut du grain brut et palpable d’un film noir et blanc.
D’autres jours, de la précision numérique pour capter une scène dans ses moindres détails et puis finalement ça rend mieux avec un peu de douceur. Parfois, paradoxe ultime, on ajoute du grain numérique à une photo bien nette, bien propre, bien comme il faut dans les critères techniques du moment de la haute technicité avancée du rendu chirurgical. C’est une affaire de ressenti, de texture, de sujets, d’intention, de recul, pas de la logique pure.
L’ancien et le moderne ensemble
Monter une optique ancienne sur un boîtier numérique dernier cri, laisser les flares, les rendus doux que certains qualifient de mous, le vignetage, laisser ce caractère, tout en profitant d’une exposition parfaite, de la stabilisation, de la montée en iso, c’est faire dialoguer les époques, les philosophies, dans un nouvel équilibre
LUTs, presets et liberté de création
Passer des heures à peaufiner un style pour retrouver l’âme d’un film argentique, essayer. fabriquer des LUTs maison, collectionner des presets comme moultes épices.Puis faire à l’œil, au feeling, accepter ces va-et-vient entre contrôle et intuition. C’est aussi ainsi que l’on apprend.
Technique, esthétique, intention : une triangulation sensible
Nos choix techniques boîtier, optique, rendu, post-traitement — ne sont jamais neutres. Ils dialoguent avec notre intention photographique, les thèmes que l’on aborde, l’émotion que l’on veut transmettre.
Un même sujet peut appeler une approche très nette, très détaillée ou au contraire un rendu doux et granuleux est plus approprié. Ces choix ont pour but de servir la photo, pas dicter un style formaté. La cohérence vient de cette relation entre ce que l’on voit, ce que l’on ressent, et le comment on décide de le montrer.
Le style, au-delà du look
Le style ne se réduit pas à une apparence visuelle ou à un effet répété même bien léché. Il se construit dans le temps, dans la récurrence, dans une sensibilité, un regard, une manière d’interpréter. Nos paradoxes techniques n’empêchent pas cette cohérence, ils l’enrichissent, la nourrissent. Le style photographique peut être pluriel, comme une voix intérieure qui change de tonalité mais reste la nôtre. Parfois, un style trop basé sur un look prédéfini peut finir par lasser car on se rend compte qu’il s’agit d’une recette bien appliquée.
On le voit par exemple dans le domaine des photos de mariage, où certaines approches misent fortement sur un rendu unifié avec des tons pastels, hautes lumières sur-exposées, couleurs désaturées, voiles lumineux ou dominantes chaudes à la mode. Aussi en remontant la courbe des tonalités à droite pour un léger effet de voile, tout en désaturant les couleurs, puis en ajoutant une dominante jaune ou marron, avec ajout de quelques photos en noir et blanc… gris. Ces styles, efficaces en communication commerciale, peuvent devenir enfermant. Car ils réduisent l’acte photographique à un habillage visuel, figé, déconnecté du sujet réel ou de l’émotion ressentie et très souvent ils correspondent à une tendance du moment.
En photographie, ce qui fait la force d’une photo, ce n’est pas seulement le traitement du rendu, c’est la lumière, le choix de l’instant, les interactions humaines, le bon placement, sa façon personnelle de composer et de ressentir. Ce qui fait la singularité d’une photo et d’une série, c’est ce qui passe entre le photographe et les sujets pas ce que l’on plaque ensuite par dessus qui vient prendre toute la place. Faire émerger cette singularité demande du temps, une pratique régulière, une attention continue et s’appuyer sur des paradoxes. Ce n’est pas une simple recette à appliquer. C’est une construction vivante, nourrie par l’expérience, par l’échec, par l’intuition. C’est dans cette régularité, dans cette écoute sincère, que son style se construit.
Style et matériel : une construction par imprégnation
Le style n’est pas un choix immédiat. Il n’arrive pas tout fait, de suite, comme un rendu automatique que l’on applique. Il se forme par imprégnation, au fil des essais, des expérimentations, des erreurs, des détours. Il émerge dans la durée, au contact de ce que l’on fait, de ce que l’on regarde, de ce que l’on ressent. Explorer différents outils, formats, rendus, ne nuit pas à l’émergence du style, ce n’est pas un éparpillement. Au contraire, cette diversité d’approche permet de mieux sentir ce qui nous attire, ce qui nous touche, ce qui nous ressemble. Le style, alors, ne devient pas une contrainte figée, c’est un sillage, une empreinte progressive qui se dessine à force de faire, de photographier, d’interroger ce que l’on fait.
Le matériel : passion, vecteur et support
Le matériel peut être source de passion, la texture d’un boîtier, le bruit d’un obturateur, la douceur d’une mise au point manuelle, l’expérience photographique ressentie. Toutefois il reste un support, un outil au service d’un regard. S’y intéresser n’est pas pour autant futile. C’est même parfois une porte d’entrée.
L’exploration matérielle peut raviver l’inspiration, susciter le geste, encourager à expérimenter d’autres façons de voir. L’important est de garder en tête que ce sont nos intentions qui doivent guider nos choix techniques, non l’inverse. Le matériel est un compagnon de route, pas seulement le but du voyage.
La diversité des moyens comme richesse du faire
Travailler avec différents outils, supports, formats, logiciels, boîtiers, objectifs… Ce n’est vraiment pas se disperser, c’est composer une palette élargie pour mieux servir ce qu’on veut dire. Chaque outil a ses forces, ses limites, sa personnalité matérielle. Savoir les convoquer au bon moment, c’est aussi affiner sa pratique. La diversité des moyens devient alors un prolongement de notre intention, un levier pour l’expression photographique.
Face aux chapelles : rester ouvert
Certains photographes ne jurent que par l’hyper-netteté, la saturation maximale, la technologie pure.
D’autres ne jurent que par l’argentique, la lenteur, l’authenticité perçue. Entre les deux ? Il y a des photographes aux goûts mouvants, aux envies multiples. Ce n’est pas un manque de rigueur, c’est une richesse. Être fidèle non à pas un dogme, mais à sa sensibilité mouvante.
Comme en cuisine : du gastro au snack
Il y a des jours pour sortir la grande artillerie technique, et d’autres pour faire simple. Des projets qu’on mûrit des mois, et d’autres qu’on fait d’un geste rapide, instinctif. La photographie, comme la gastronomie, vit aussi de ces écarts gustatifs.
Nos paradoxes sont peut être une signature. Ces contradictions apparentes dessinent en réalité un portrait complexe, riche, vivant, varié. Elles traduisent un rapport personnel à la photographie, mouvant, curieux, ouvert, exploratoire. C’est là, peut-être, que se cache la cohérence, dans la variété. Dans le sens où la diversité de moyens reste ancrée dans une sincérité, une continuité intérieure, une fidélité à soi.
La pratique photographique comme langage
Si l’on considère que la pratique photo est un langage on peut aimer à la fois la poésie, les romans à l’eau de rose et les essais philosophique et ça ne pose pas question.
La photographie est un langage, et comme tout langage, elle se prête à toutes les tonalités, toutes les formes, toutes les intentions. On peut tout à fait aimer la netteté numérique comme on aime la clarté d’un essai bien écrit, aimer l’argentique doux ou voilé comme on aime un poème à demi-mots, aimer une photo kitsch comme on s’attache à un roman à l’eau de rose qui touche malgré tout, aimer le flou volontaire comme on goûte une phrase qui hésite mais suggère. Tout dépend de ce que l’on veut dire, à qui, et comment.
En photographie, le style peut changer sans trahir sa sincérité. Ce n’est pas parce que l’on fait des photos nettes et précises qu’elles sont moins « artistiques », ni parce que l’on fait des photos brutes que l’on n’est pas assez « technique ». C’est son intention et son regard qui donnent du sens. Aussi en photographie on peut avoir des goûts variés.