La formule « Everything is photographable » est associée à Garry Winogrand (au point d’avoir donné son titre à un documentaire : Garry Winogrand : All things are photographable). On trouve aussi une version plus “théorème”, très citée : « …one can postulate the following theorem: Anything and all things are photographable. » Pour William Eggleston, l’idée existe clairement dans la réception critique de son travail (“claiming that everything can be photographed…”) . William Eggleston l’a incarné dans sa vision “démocratique” du banal.
L’affirmation « tout est photographiable » peut être mal comprise. Elle est parfois utilisée comme une justification du déclenchement automatique, voire comme une excuse au manque d’exigence. Or, cette idée renvoie à une posture rigoureuse et engageante, à l’opposé du faire “n’importe quoi”.
On peut entendre une petite voix qui nous dit « Ça, ce n’est pas un sujet.» , c’est trop ordinaire. trop vide de sens, trop simple pour en faire des photos, il faut absolument un événement, un voyage, un décor, une “belle scène” pour faire des bonnes photos. Autrement dit, le sujet devrait porter la photo à lui seul. Cette petite voix repose sur une confusion répandue qui assimile la valeur photographique à la valeur apparente du sujet. Si le sujet est fort, rare ou impressionnant, la photo serait automatiquement intéressante. Si le sujet est ordinaire, discret ou courant, la photo serait vouée à l’échec ou sera de fait jugée comme « pas terrible ». Un sujet fort peut plus aisément masquer une absence de point de vue et rendre moins perceptible un cadrage peu affirmé ou une composition sans tension. Le sujet banal, lui, agit comme un révélateur, il met immédiatement en évidence l’engagement du photographe, la qualité de ses décisions et la précision de son regard.
Le banal peut être rejeté parce qu’il ne rassure pas. Il oblige à faire face à une question inconfortable, ai-je quelque chose à proposer, ici et maintenant, sans artifice ? C’est précisément cette absence d’assistance qui rend le banal difficile. L’idée qu’il faudrait une “belle scène” pour faire une bonne photo est héritée de la carte postale, de l’imagerie touristique, d’une culture visuelle basée sur la consommation d’images. Dans cette logique, le photographe devient un collecteur, il repère, prélève, accumule. La photographie ne se réduit pas à la découverte de scènes exceptionnelles. Elle est aussi un art de l’attention. Ce que le banal révèle, c’est que la qualité d’une photo ne dépend pas de ce qu’elle montre, mais de la manière dont elle est construite. Au lieu de se demander « Est-ce que c’est un sujet ? », se demander « Qu’est-ce que je peux en faire ? « Cette question ne promet rien, elle ne garantit pas une photo réussie, elle ouvre un espace de travail réel. C’est dans cet espace que le banal devient photographiable, non pas parce qu’il est exceptionnel, parce qu’il oblige à regarder, choisir et s’engager.
Tout est photographiable ne veut pas dire “tout se vaut”
On peut confondre photographiable dans le sens on peut en faire une photo (matériellement, techniquement) et fertile dans le sens ça peut devenir des photos qui tiennent au niveau sens, forme, émotion, tension, mystère, évidence. Garry Winogrand n’annonçait pas que tout devient automatiquement intéressant. Il disait plutôt : le monde entier peut devenir matière. La différence se joue dans le regard (et le travail), pas dans une recherche d’un “sujet noble”.
Le banal n’est pas un sujet facile. Il ne s’appuie ni sur un événement, ni sur une narration immédiate. Il déplace entièrement la responsabilité sur le photographe. Dans le banal, tout ce qui fait une photo provient de décisions conscientes, cadrage, composition, distance, moment. C’est pour cette raison que le banal est un excellent révélateur d’une posture photographique.
Une tension
Dans une photographie banale réussie, on observe presque toujours une tension. La tension peut être définie comme une relation instable mais tenue entre des éléments qui pourraient se neutraliser, mais qui coexistent dans le cadre. La tension empêche la photo de se refermer trop vite. Elle maintient une zone active pour le regard. Une tension spatiale : déséquilibre entre vide et plein, sujet proche d’un bord, espace inconfortable. Tension visuelle : opposition de lignes, de masses, de couleurs, ou rupture dans une répétition. Tension symbolique : coexistence de registres contradictoires (ancien / récent, intime / public). Tension temporelle : trace d’un avant ou d’un après suggéré. Tension humaine indirecte : présence par l’absence, par l’usage, par l’usure. Sans tension, le banal devient descriptif. Avec une tension, il devient lisible et original. La tension produit un effet de suggestion. Suggérer, en photographie, ne signifie pas cacher arbitrairement, cela signifie laisser une part d’indétermination, permettre au regardeur de compléter sans être guidé, d’imaginer. La suggestion repose sur le hors-champ, l’ambiguïté contrôlée, une retenue émotionnelle. Dans le banal, la suggestion est souvent plus efficace que la démonstration. En fait photographier des éléments « orinaires » demande un engagement fort, que l’on sente une présence, un acte conscient, une approche sensible en sentant que telle photo a été construite, ce qui fait que le regardeur va s’arrêter dessus.
Un sujet banal cadré de manière conventionnelle produit une photo interchangeable. Le cadrage standard est conçu pour le confort, pas pour la tension. Il correspond à ce que l’on a tendance à faire sans effort, de sa hauteur, à distance moyenne, centré ou légèrement équilibré, sans coupe franche, sans prise de risque visible. Il peut être adapté à une documentation rapide. pour une description, l’information, le souvenir, sans prise de risque visuel. Dans le banal, le cadrage devient le principal vecteur de sens. Cadrage serré ou volontairement coupé, déséquilibre assumé, lignes interrompues, marges inconfortables. La composition ne relève plus de règles décoratives, mais d’un geste structurant. Le banal met en évidence le niveau d’engagement du photographe. Une photographie distante donne une impression d’observation. Une photographie engagée donne une impression de présence. L’engagement ne dépend pas de la focale, mais de la posture. Se rapprocher physiquement, choisir un point de vue précis, accepter l’inconfort, rester plus longtemps que nécessaire. Dans le banal, le placement du photographe fait partie du processus. Le banal résiste à la simple captation. Il n’a rien à offrir spontanément, il répond à une démarche de don, de donner à voir. Le cadre devient une proposition, la composition une interprétation, la suggestion une ouverture faite au regardeur. Dans cette logique, la photographie n’est pas prise, mais faite.
Même dans le banal, le moment compte. Pas comme événement, comme configuration juste et sincère. La lumière, la position, l’espace, la présence ou l’absence s’assemblent. C’est ce qui permet à la photo faite de devenir nécessaire, et non pas simplement possible.
Dire que tout est photographiable ne signifie pas que tout doit et peut être photographié aisément. Cela signifie que la photographie commence avec la décision, l’engagement, le moment et la précision.
Le banal fertile
Ce peut être un terrain d’apprentissage fondamental. il rend visible les décisions, il révèle les faiblesses de cadrage et de composition. Il expose la posture (distance, neutralité). Il impose une construction en dépassant le stade du décoratif. Le cadrage “normal” est celui que tout le monde adopte spontanément, à hauteur d’yeux, à distance moyenne ou éloignée, sans travail en matière de composition. Dans le banal, ce cadrage produit presque toujours une photo neutre avec peu d’intérêt .On perçoit immédiatement si le photographe s’est réellement impliqué, engagé ou est resté à distance et a déclenché comme en passant. L’engagement physique est un facteur visuel, angle choisi, précis, proximité assumée, stabilité du point de vue, cohérence de la série. Une photo engageante contient une trace implicite quelqu’un a été là, à cet endroit suffisamment longtemps pour en sortir une photo faite, il s’est impliqué. Captation = Le réel est prélevé tel quel, avec un minimum de transformation. Photo don = une vision construite, organisée, proposée, donnée à voir.
- Exercice — Cadrage non naturel : Photographier un sujet banal en refusant systématiquement la hauteur d’yeux classique. Objectif : prendre conscience du poids du point de vue.
- Exercice — Une seule photo par situation, sans variation autour du même sujet. Objectif forcer la décision au départ plutôt que la correction.
- Exercice — Analyse post-séance, pour chaque photo retenue, identifier la source de tension, le type de suggestion, le rôle du cadre et de la composition. Objectif : rendre visibles les mécanismes.
Dire que tout est photographiable ne libère pas du travail, cela le rend inévitable. Le banal est un révélateur. Il exige des décisions claires, un engagement réel, une construction rigoureuse. Selon Garry Winogrand le banal est rendu lisible par une rigueur extrême.
Difficile de faire mieux que William Eggleston
Quand on voit ce qu’il a produit avec… un tricycle, un plafond rouge, un frigo ouvert, “faire mieux” n’a même pas de sens à ce sujet. Il a pris le banal au sérieux et ça change tout. Il traite chaque détail comme digne d’attention (un trottoir, un interrupteur, une ampoule). Il ne cherche pas le symbole : il assume la présence brute des choses. Le banal cesse d’être banal. Il devient intense sans être pour autant spectaculaire. Il a démontré qu’une photo peut être forte sans “sujet fort”. Inutile d’essayer de faire pareil. Ce qu’il a ouvert, c’est une autorisation intérieure. le droit de regarder ce qui est là, le droit de photographier ce qui n’a pas l’air intéressant, le droit de faire confiance à sa propre sensibilité, même quand elle pointe vers… un coin de parking moche. Il en ressort “Tu n’as pas besoin d’un grand sujet. Tu as besoin d’un regard qui tient debout.” Eggleston n’est pas un sommet à dépasser, c’est un point d’appui. Un ok, c’est possible de faire des photos sur des sujets comme ça. La question fertile, c’est : qu’est-ce que le banal raconte de toi, quand c’est toi qui le regardes ?
La posture photographique
C’est la manière dont un photographe se tient face au réel avant même de déclencher. Deux photographes peuvent utiliser le même appareil, le même lieu, le même sujet et produire des photos radicalement différentes parce que leur posture est différente. La posture est un ensemble de choix implicites. La distance, distance émotionnelle (impliqué / détaché), distance physique (proche / lointain), distance symbolique (engagé / neutre). Le rôle que l’on s’attribue, observateur, témoin, interprète, participant discret. Ce rôle n’est pas neutre, il détermine le cadrage, le moment, la retenue ou l’insistance. Le rapport au temps, rapide / patient, réactif / attentif, opportuniste / disponible. La posture précède le moment. Le rapport au sujet, suggestion, prélèvement (captation), construction (don), démonstration, Le rapport au regardeur, expliquer, convaincre, séduire, ouvrir. La posture inclut une idée implicite du spectateur. La photographie est un médium paradoxal, elle semble enregistrer le réel alors qu’elle est profondément interprétative. La posture est ce qui transforme un enregistrement en photo, une scène en proposition, un sujet en expérience de regard. C’est pour cela qu’elle est souvent plus déterminante que la technique. Dans le banal, la posture est immédiatement visible. Une posture hésitante produit souvent une image fragile, car l’attitude dans le faire ne soutient pas encore pleinement l’intention.. Une posture distante produit une photo très descriptive. Une posture engagée produit une photo construite. Le banal ne masque rien car il est banal. Avant de déclencher : « Quelle est ma posture face à ce que je veux photographier ? ». La posture, c’est l’attitude dans le faire. Intention, ce que l’on cherche. Posture, comment on s’y prend. On peut avoir une bonne intention et une posture inaboutie : l’idée est là, mais l’attitude dans le faire ne la soutient pas encore pleinement.
Certaines photos paraissent banales non pas à cause du sujet, parce qu’elles trahissent un manque d’implication dans l’acte photographique. On n’y sent pas un véritable engagement dans le faire. Elles donnent alors l’impression d’une photo prise en passant.
Certaines photos prennent de l’intérêt avec le temps
Il y a un point presque silencieux, de la photographie de l’ordinaire dite du banal.
Par exemple chez Eugène Atget, beaucoup de ses photos sont fonctionnelles, très documentaires, presque sèches au moment où elles sont faites. Des rues vides, des vitrines, des escaliers, des façades. Rien de spectaculaire, rien de “bien cadré” au sens moderne. Et pourtant ce type de photos prennent de la valeur pas seulement parce qu’elles vieillissent, surtout parce que le monde qu’elles contiennent disparaît. Elles deviennent des traces, des documents, des survivances visuelles. Atget ne cherchait pas l’“œuvre”, il cherchait à enregistrer ce qui allait s’effacer. C’est précisément cette posture modeste qui fait que, des décennies plus tard, ses photos deviennent chargées d’émotion, de mélancolie, de densité historique. Il y a une catégorie très particulière de banalité, le banal qui n’est pas encore intéressant mais qui le deviendra. Sur le moment les photos peuvent paraitre trop ordinaire, trop familières. Avec le temps elles deviennent un révélateur d’une époque, un miroir d’usages oubliés, une archive sensible de moments disparus.
Ce que cela peut dire de la pratique aujourd’hui, cela ouvre une piste très forte et très libératrice : On n’est pas obligé de savoir tout le temps pourquoi une photo est importante. On peut photographier en confiance, sans effet, sans justification immédiate. Certaines photos sont faites pour plus tard. La photographie peut être un geste d’attention au moment avant d’être un geste esthétique. Parfois, c’est précisément cette attention discrète qui fabrique, avec le temps, les photos les plus justes.