Développer son style

Sommaire

Résumé évolutif

Car le style c’est tout un poème 🙂

Travailler son soi, sa vision personnelle, sa façon de cadrer, sa propre façon de voir, de composer, d’aborder les sujets, mettre de la personnalité en phase avec qui on est. Se mettre dans une posture du voir et cela demande de la concentration et une habitude acquise par la pratique.
Attention à ne pas copier, s’inspirer sans copier et sans trop être influencé.
Le style ce n’est pas rajouter, c’est ce qu’il reste quand on cesse d’imiter.
Développer son propre style est difficile, probablement qu’il y a des personnes avec du talent, qui ont un don, toutefois travailler cette « facilité » est nécessaire. Un travail tenace permet de s’améliorer.
Une facilité est de tomber dans des leurres techniques, comme par exemple saturer les couleurs, ne proposer que des noir et blanc très contrastés, poser des filtres systématiques marron-orangé… Ces caractéristiques techniques peuvent aider à marquer un style mais ils sont reproductibles par d’autres personnes, il est plus judicieux de travailler sur une façon de faire personnelle. Cela n’exclut pas de faire ses propres recherche sur le rendu, ce qui est souvent ennuyeux c’est de reproduire systématiquement les mêmes dominantes de couleurs ou de par exemple ne proposer que des photos faites à l’heure dorée (peu avant le coucher du soleil). Cela se pratique beaucoup dans les photos de couples ou de mariage. Je ne veux pas dire qu’il ne faut pas le faire mais marquer son propre style c’est apporter un plus autre que les seules conditions de lumière, cela ne suffit pas pour se démarquer et progresser vraiment dans son propre style, il y a d’autres composants à prendre en compte. Par exemple faire poser une femme nue entre des rochers cela ne voudra pas dire que l’on se transforme par cette action en un photographe artiste auteur comme par magie.
Rester modeste et encore mieux humble car ce que nous faisons ce ne sont que des photographies, garder du recul et prendre conscience qu’il est intéressant de toujours chercher à progresser.
Ne pas toujours chercher du sens, faire parce que l’on a l’envie de faire. On peut trouver une photographie agréable à regarder et qui interroge où chacun peut trouver le sens qu’il a envie de trouver. Des personnes peuvent trouver cette réalisation pas intéressante pour eux, peu importe, cette photographie existe parce que tu l’as faîte. Il n’y a pas forcément besoin d’une approbation dans une recherche de reconnaissance ou de félicitations. Avec de l’imagination on peut toujours trouver du sens même en indiquant que l’objectif de cette photo c’est d’interroger sur le sens. Ici la photographie rejoint la philosophie, la notion de jugement.
Apprendre à ne pas être affecté par des critiques non constructives. S’affirmer dans son faire, quand quelqu’un dit c’est de la chance où c’était facile et bien fais le toi, pourquoi tu ne l’as pas fait ?
Dans une démarche non commerciale, peu importe si les photos réalisées ne plaisent pas à un large public.
Quand on craint le jugement des autres qui peuvent empêcher de faire et créer du blocage, si on a besoin d’avis extérieurs dire que ce sont des essais et une expérimentation dans son travail sur le style, cela permet d’être moins affecté pour des jugements négatifs si l’on est très sensible. Ce que l’on fait n’a aucune obligation de plaire à tous.
Prendre conscience de ses émotions, de ses expériences et de ses valeurs personnelles pour les incorporer dans les photos pour leur donner une dimension plus personnelle, spécifique et authentique.
Expérimenter souvent en prenant « des risques créatifs », dès lors qu’il n’y a pas une commande à rendre et même dans ce cas en profiter outre la réalisation des photographies attendues de tenter des approches vraiment différentes.
Oser sortir des sentiers battus et explorer de nouvelles idées et approches artistiques même si au final le résultat est jugé bof, l’important est d’essayer.
Se construire une culture photographique est important pour pouvoir se rendre compte par soi-même si ce que l’on fait tient la route ou pas. Face à des critiques on peut toujours dire l’horizon n’est pas droit et c’est voulu pour se justifier mais si le résultat n’est pas terrible, il restera pas terrible malgré les justifications. On a tendance à trouver que les dernières photos que l’on a faîtes sont les meilleures, jusqu’aux suivantes. Il peut être difficile d’avoir une vision détachée pour ses propres réalisations car on a été satisfait de les faire parce qu’elles représentent un moment important ou joyeux pour soi, mais au final pour quelqu’un qui a une culture photographique aiguisée et un regard extérieur, elles sembleront banales et déjà vues.
Des photographies peuvent ne pas plaire et être très intéressantes, c’est le paradoxe. Nous sommes dans un domaine très subjectif.
Parfois on ne sait pas soi-même si une photo est intéressante ou pas au niveau du sens, on l’aime bien et c’est tout, c’est correct. Si on tient un instant d’évidence où tout s’assemble, où il y a une harmonie sans tomber dans le spectaculaire avec un effet « trophée », on sait qu’elle est vraiment bonne cette photo là et cela nous donne une grande satisfaction avec une pensée, c’est ça mon style et ce que je veux faire. C’est rare et c’est le chemin de la progression car il n’y a pas de baguette magique pour à chaque fois obtenir cet assemblage subtil.
Le banal peut devenir non banal grâce à son approche personnelle d’illustrer le banal.
Ne pas se décourager, il est normal qu’il y ait des moments où on ne progresse plus. Parfois il est nécessaire de faire des pauses. Très souvent la progression se fait par paliers avec mêmes des moments de blocage.
Croire que faire une bonne photo c’est seulement appuyer sur un bouton, voilà c’est facile est une erreur. Ne pas juger ceux qui pensent cela c’est seulement une non connaissance de la photographie car réaliser des photos avec son propre style c’est difficile aussi il est naturel qu’il faille du temps et de la pratique pour arriver à un résultat qui se démarque des milliards de photos « prises » chaque année dans le monde.
Ne pas se maltraiter en utilisant des mots contre soi qui peuvent s’imprégner dans l’inconscient. Je ne veux pas l’écrire ici, c’est se dire je me trouve… car ce sont des pensées négatives sur son travail et au final qui rejaillissent sur son soi, qui peuvent vraiment décourager à faire en se disant de toute façon je suis n… Au contraire se récompenser, se féliciter, bravo alors que tu étais bloqué aujourd’hui tu es sorti faire des photos sans anxiété sur le résultat, c’est en faisant qu’on fait.
Faîtes des photos tout le temps, je dis tout le temps pour que ce soit le plus souvent possible pour arriver à faire de la Photo.
Au niveau des publications sur les réseaux sociaux faire attention à la sélection des photos, à l’édition. Ne pas montrer trop de photos et montrer uniquement celles qui sont marquantes pour votre style pour éviter de brouiller la réputatation avec une masse de photos dont une grande partie peut être considérée comme « pas terrible ». Montrer peu et seulement les photos qui vous considérez comme bonnes et en phase avec votre vision personnelle.
En ce qui concerne la réalisation d’une série, il n’y a pas l’obligation d’appliquer une façon de faire basée sur l’expérience des autres. Toutefois il est souvent positif en amont de réfléchir à un concept afin d’obtenir une série cohérente. La cohérence de l’ensemble, c’est ce qui justifie une série. C’est surtout au niveau du choix des photos et de l’édition que la réalisation peut prendre beaucoup de temps afin d’avoir assez de matière pour arriver à une série avec a un minimum de sens. Cela peut être aussi l’expression d’ambiances, pas forcément de documenter une thématique très précise.

Développer son style personnel en photographie artistique est un processus passionnant qui nécessite du temps, de la pratique et de la réflexion. Voici quelques conseils pour vous aider à y parvenir, ainsi qu’une réponse à la question de savoir si c’est un don.

Quelques conseils pour développer son style personnel :

– Explorer et expérimentez :

Essayer différents genres de photographie (portrait, paysage, macro, abstrait, etc.) pour découvrir ce qui vous passionne vraiment.
Expérimenter avec différents réglages, éclairages et compositions pour voir comment cela affecte les réalisation.

Analyser son travail :

Prendre le temps de revoir ses photos. Identifier les éléments plaisants et ceux que l’on apprécie pas.
Noter les thèmes récurrents, les couleurs, les émotions, les photos que l’on estime bonnes.

S’inspirer des autres :

Explorer le travail d’autres photographes, artistes et créateurs dans le domaine qui vous intéresse.
Ne pas copier, s’inspirer, de leurs façon de faire, de leurs techniques, de leurs compositions et de leurs idées pour créer quelque chose de personnel.

Etre authentique :

Identifier ce qui vous passionne dans la vie et essayer de l’intégrer dans votre photographie. Cela peut être des sujets, des thèmes, des émotions ou des messages que l’on souhaite transmettre.
Utiliser des éléments de sa personnalité, comme son sens de l’humour, sa sensibilité, sa vision du monde, pour donner une touche personnelle.

Pratiquer régulièrement :

La pratique constante est primordiale pour affiner ses compétences et développer son propre style. Faire des sessions photo régulières et sortir de sa zone de confort.
Participer à des projets artistiques, des concours, des expositions pour tester son travail et obtenir des retours.

Développer une technique distinctive :

Explorer différentes méthodes de post-traitement et trouvez un style d’édition personnalisé (par exemple, couleurs vives, noir et blanc, textures, dominantes, tons chauds, tons froids etc.).
Créer des motifs ou des éléments récurrents dans ses photos qui deviennent une « signature ».

Accepter les critiques constructives :

Partager son travail avec d’autres photographes ou artistes et demandez des critiques constructives. Cela peut vous aider à voir ses réalisations sous un nouvel angle.

Etre très patient :

Le développement d’un style personnel prend du temps. Ne pas être pas trop dur avec soi-même si on n’obtient pas un résultat escompté. C’est comme apprendre à marcher, on tombe de nombreuses fois avant d’arriver à tenir debout en mettant un pied devant l’autre. S’efforcer d’être indulgent envers soi-même.

Est-ce un don ?

Pas uniquement un don : Bien que certaines personnes puissent avoir une sensibilité artistique innée, le développement d’un style personnel en photographie est principalement le résultat de la pratique, de l’expérimentation et de la réflexion.
Apprentissage et croissance : Tout le monde peut a priori développer son style en apprenant et en pratiquant. La passion, la curiosité et l’ouverture à l’expérimentation sont des facteurs clés qui rendent ce processus accessible à chacun.

Développer son style personnel en photographie artistique est un voyage enrichissant qui combine exploration, introspection et technique. En étant fidèle à soi-même et en ajoutant sa personnalité aux réalisations, il devient possible de se démarquer des autres photographes pour créer des œuvres qui résonnent avec sa propre vision. Cela demande du temps, du travai, de la patience, de la persévérance et de l’engagement pour aboutir des des réalisations authentiques et significatives.

Qu’est-ce que l’on entend par des réalisations authentiques ?

Réaliser des œuvres photographiques authentiques signifie créer des images qui reflètent sa propre vision artistique, sa perception personnelle en étant fidèle à soi-même.

Expression personnelle :

Identité unique : Vos œuvres doivent transmettre qui vous êtes en tant qu’artiste. Cela peut inclure vos intérêts, vos passions, vos valeurs ou votre vécu. L’authenticité apparaît lorsque vous intégrez votre sensibilité personnelle dans votre travail.
Narration : Chaque image peut raconter une histoire ou transmettre un message qui vous est propre. Cela peut être une expérience vécue, une émotion ou une réflexion sur un sujet qui vous touche.

Intégrité artistique :

Fidélité à soi-même : Réaliser des œuvres authentiques signifie ne pas céder à la pression de suivre les tendances ou de plaire à un public spécifique. Il s’agit de rester fidèle à votre propre style et sensibilité.
Éthique et respect : Cela inclut également la façon dont vous abordez vos sujets, en respectant leur dignité et leur histoire. Les œuvres authentiques sont souvent empreintes de respect et d’intégrité.

Émotion et connexion :

Transmission d’émotions : Les photographies authentiques touchent souvent le spectateur sur un plan émotionnel. Elles évoquent des sentiments, des souvenirs ou des réflexions, créant une connexion entre l’artiste et le public.
Vulnérabilité : N’ayez pas peur d’exposer vos émotions ou vos vulnérabilités à travers vos images. Cela peut donner de la profondeur à votre travail et le rendre plus relatable.

Originalité :

Style personnel : Les œuvres authentiques se distinguent par leur originalité et leur singularité. Elles reflètent votre approche unique de la photographie, que ce soit par le choix des sujets, les techniques utilisées ou le style d’édition.
Éviter le plagiat : Se démarquer implique également de ne pas reproduire le travail d’autres artistes, mais plutôt de s’inspirer d’eux tout en créant quelque chose de nouveau et de personnel.

Engagement et réflexion :

Sujets significatifs : Choisissez des sujets qui vous passionnent réellement et qui ont une signification pour vous. L’authenticité est souvent liée à un engagement profond envers le thème que vous traitez.
Réflexion critique : Prenez le temps de réfléchir à votre travail et à ce que vous souhaitez exprimer. Cela peut vous aider à clarifier votre vision et à créer des œuvres plus significatives.

Réaliser des œuvres photographiques authentiques implique de créer des photographies qui reflètent son identité, sa personnalité, ses émotions, ses expériences. Cela nécessite un engagement pour matérialiser sa vision personnelle, une réflexion critique et une volonté de partager sa sensibilité.

Passer de simples photographies à la réalisation d’œuvres photographiques implique une approche plus réfléchie et artistique de son travail.

Développez sa vision artistique :

Identifier ses intentions : Réfléchir à ce que l’on souhaite exprimer, quelles émotions, idées ou messages voulez-nous transmettre ?
Rechercher des thèmes : Choisir des thèmes ou des sujets qui nous passionnent et qui peuvent donner une direction à son travail. Cela peut être des questions sociales, des expériences personnelles, la nature, des explorations abstraites.

Expérimenter avec différents styles et techniques :

Explorer divers genres : Essayer différents types de photographie (portrait, paysage, documentaire, abstraite, etc.) pour trouver ce qui nous inspire le plus.
Tester des techniques : Expérimenter différentes techniques, comme le flou de mouvement, la double exposition, les longues expositions, le montage numérique, pour enrichir son expression artistique.

Curation : Apprendre à sélectionner ses meilleures photoss. Évaluer quelles photos correspondent le mieux à sa vision et aux thèmes choisis. Ne garder que celles qui ont un impact fort et qui nous représentent véritablement, être très strict sur les choix.
Édition réfléchie : Utiliser le post-traitement non seulement pour améliorer la qualité technique de ses photos, surtout pour renforcer sa vision artistique et l’émotion que l’on souhaitez véhiculer. Faire en sorte que le post-traitement ne soit pas l’aspect premier de caractérisation, qu’il s’agisse d’un ensemble cohérent qui ne s’appuie pas sur un subterfuge spectaculaire du post-traitement (par exemple très fort contraste-clarté jusqu’à l’excès).

Créer des séries ou des projets avec une cohérence d’ensemble :

Construire une narration : Penser à créer des séries de photos qui racontent une histoire ou explorent un sujet de manière approfondie pour donner une cohérence et une profondeur à ce travail.
Sujets récurrents : Répéter des motifs, des thèmes ou des éléments visuels dans plusieurs réalisations pour établir un style personnel et reconnaître sa signature artistique.

Intégrer l’élément conceptuel :

Cohérence conceptuelle : Réfléchir à la manière dont ses réalisations interagissent les unes avec les autres. Quel message global souhaitons nous transmettre ? Comment chaque image contribue-t-elle à cette narration ?
Réflexion : Prendre le temps de réfléchir à la signification de son travail et à la manière dont il peut susciter des questions ou des réflexions chez le spectateur.

Partager et interagir :

Exposer son travail : Participer à des expositions, des concours, des critiques de portfolio pour obtenir des retours. Cela peut aider à voir son travail sous un nouveau jour et à recevoir des suggestions précieuses.
Engagement : Interagir avec d’autres photographes et artistes pour partager des idées, des techniques et des inspirations. Cela peut enrichir sa propre pratique.

Affiner son approche au fil du temps :

Évolution : Etre ouvert à l’évolution de son style et de sa vision. Avec le temps et l’expérience, son approche artistique peut changer et se développer.
Réflexion continue : Prendre le temps de réfléchir régulièrement à son travail et à sa progression, en se posant des questions sur ce qui fonctionne et ce qui peut être amélioré, sans se décourager…

La transition de la photographie à la création d’œuvres photographiques est un processus qui nécessite une intention artistique, une exploration et une réflexion approfondie. En développant sa propre vision personnelle, en expérimentant différentes techniques, en créant des séries cohérentes et en partageant votre travail, il est possible de transformer ses photographies en œuvres significatives qui touchent et interpellent un public. Ce chemin demande du temps et énormément de patience.

Tenter différentes approches et rendus…

A force d’expérimentation cela aide à connaitre ce qui peut sembler des « défauts » que l’on répète, comme par exemple de ne pas se fixer sur un style et de tout le temps changer le rendu car on aime expérimenter. Le style peut être changé au niveau du simple post-traitement, toutefois dans une série cohérente, il est plus judicieux de trouver une harmonie d’ensemble. Cela m’empêche pas, par exemple, de mêler des photos couleurs avec du noir et blanc. L’important est qu’il y est un ressenti de choix conscientisé.